Le monde des beaux-arts est rempli de gardiens. Quelques privilégiés – une élite de conservateurs, de collectionneurs et de faiseurs de goût – ont le pouvoir de décider quel art nous devons apprécier. La société a largement accepté ce déséquilibre comme une norme, car pendant des siècles, des contraintes physiques et économiques ont empêché la plupart des gens de participer de manière significative à cet écosystème.
Le métavers est un changement de paradigme par rapport à cette réalité. Les galeries, les expositions et les musées – autrefois limités par des contraintes telles que la programmation, la collecte de fonds et la logistique de la gestion physique des « corps » d’œuvres – peuvent désormais étendre leur présence de manière infinie.
Les conservateurs numériques peuvent produire davantage d’expositions et réagir aux tendances et événements culturels importants en temps réel. De plus, les artistes et les collectionneurs peuvent désormais partager des espaces, collaborer et se connecter par le biais de l’art dans des environnements virtuels, où qu’ils se trouvent dans le monde. Les casques de réalité virtuelle (RV) permettent aux gens de transcender la géographie et de s’immerger totalement dans un lieu numérique.
Prenez le Museum of Crypto Art (MoCA), par exemple, un musée virtuel construit dans l’espace Somnium. Cofondé par le collectionneur d’art numérique Pablo Rodriguez-Fraile et conçu par Desiree Casoni, ce musée virtuel rassemble des œuvres d’art achetées sous forme de jetons non fongibles (NFT).
Les œuvres d’art du MoCA sont exposées pour quiconque dispose d’une connexion Internet. Et comme la propriété des NFT est validée sur la blockchain, le musée est en mesure d’étendre l’accès sans diluer la valeur monétaire des œuvres. En fait, Rodriguez-Fraile est peut-être en train d’expliquer pourquoi les NFT ont de la valeur.
Sans pratiquement aucun des frais généraux traditionnels d’une galerie physique, les concepteurs et les conservateurs sont en mesure de rendre les expositions aussi imaginatives et immersives qu’ils le souhaitent tout en dépensant moins de temps et de capital.
Il en va de même pour les architectes, qui ne sont limités que par leur imagination lorsqu’ils conçoivent dans le métavers. Finies les restrictions spatiales et les barrières de coûts pour construire des expériences transformatrices, d’un autre monde.
Pour les musées, cela signifie que chaque œuvre d’art pourrait avoir son propre bâtiment – ou même son propre monde – où le message et le caractère de l’œuvre sont commentés ou renforcés par son cadre vivant et infiniment dynamique.
Le métavers permet aux créateurs de concevoir des expériences dans des dimensions entièrement nouvelles. À quoi pourrait ressembler l’art sur la Lune ? Au centre d’un trou noir ? Ou, si vous voulez revenir à la réalité, des métavers comme Somnium Space permettent aux conservateurs d’intégrer le changement réel des saisons et des heures du jour.
L’interaction avec l’art physique ne disparaîtra jamais, bien sûr, et elle ne devrait pas disparaître. Il n’y a rien de tel que de se trouver en présence d’un véritable tour de force. Mais le métavers nous permet d’extrapoler cette magie et d’élargir l’accès à un plus grand nombre d’amateurs d’art potentiels.
Ce nouvel accès est particulièrement important. Alors que les nouvelles générations passent de plus en plus de temps en ligne, les musées et les galeries sont constamment à la recherche de nouvelles façons de faire connaître leurs collections historiques à des communautés plus larges.
Les conservateurs savent que l’art ne se résume pas à l’esthétique et aux matériaux : il représente un moment dans le temps et transmet des époques révolues à travers une lentille perspicace, nous apprenant qui nous étions et qui nous pouvons être.
Alors que les espaces d’art traditionnels peinent à trouver une fréquentation régulière, le métavers donne à ces institutions culturelles un moyen de revitaliser les mondes du passé pour des publics natifs du numérique.
Mais comment gérer la propriété dans un monde où tout est accessible ? Les collections d’images de profil (PFP) ont popularisé les NFT en attachant une identité à une œuvre d’art numérique qui peut être monétisée dans sa forme native. Et si nous appliquions les mêmes concepts aux grands chefs-d’œuvre de l’art ?
La capacité de la blockchain à authentifier l’art est encore plus révolutionnaire que l’accès accru et les nouvelles formes d’expérience du métavers. Le monde de l’art physique est opaque, et il peut être difficile d’en démontrer la provenance, même pour les chefs-d’œuvre. Les protocoles de la blockchain, cependant, peuvent rendre le prix et la propriété transparents et peuvent même être fractionnés entre plusieurs propriétaires.
Avant aujourd’hui, la plupart des gens ne pourraient jamais posséder un Banksy – ou l’une des œuvres qui atteignent des millions de dollars dans les salles des ventes. Mais en transférant la valeur d’un bien physique sur la blockchain et en créant une structure juridique pour soutenir cette conversion, nous pouvons effectivement fractionner les chefs-d’œuvre et les rendre accessibles à une population beaucoup plus importante.
Une propriété plus étendue donnera naissance à une nouvelle génération de collectionneurs d’art, catalysera un plus grand intérêt pour les beaux-arts et introduira une myriade d’opportunités de jetons qui créeront des liens et une communauté.
L’une des grandes lacunes du monde de l’art est que ses mécanismes ne reflètent pas souvent l’éthique des artistes eux-mêmes. Banksy fait-il de l’art en espérant que quelques privilégiés élèveront son nom au panthéon de l’art, afin que ses œuvres puissent être vendues à des individus ultra-riches pour des millions de dollars ? Est-ce que Basquiat l’a fait ? Ou Frida Kahlo ? Probablement pas.
Le métavers élargit l’accès et introduit de nouveaux modèles de propriété, rapprochant l’art des gens – et des conditions humaines qui ont inspiré l’art en premier lieu.
